A la luz del estreno de Joven Amaroq, una versión libre de la obra Los dos hidalgos de Verona de Shakespeare, hablamos con el dramaturgo del Grupo Vapor, Juan Tucat. El estreno de esta pieza, aún en proceso, se da en el marco del Ciclo Reuniones, una apuesta de ArtHaus por grupos nóvenes de hacedores teatrales quienes realizan una residencia en el espacio, para luego hacer mostrar el trabajo resultado de esas residencias y apuntar al estreno oficial de la obra terminada en temporadas futuras.
Farsa Mag: ¿Cuáles son las referencias o inspiraciones de la obra Joven Amaroq?
Juan Tucat: Nosotros hicimos una obra en 2024, llamada Cuentos y leyendas de Joël Pommerat que nunca se había hecho en la Argentina. Era una obra reciente que estrenamos en ese año e hicimos tres temporadas. La dirigió Cristian Drut y ahí se conformó el grupo. La idea de hacer una obra nueva apareció muy rápido. Quedamos muy entusiasmados con la primera y una de las cosas en las que pensamos en un nuevo proyecto, y en qué nos interesaba trabajar, era esas escenas de Cuentos y Leyendas muy grupales y corales. Había escenas de muchos personajes y estas eran las que más nos interesaban. La otra referencia fue una obra de Shakespeare, que se llama a Los dos hidalgos de Verona, una de sus primeras comedias. Yo la escribí y empecé a trabajar con ella hace bastante. Empecé por leerla e imaginarme qué se podía hacer. A partir de entonces, coordinamos un laboratorio de investigación en el que nos propusimos desarrollar esas cosas y trabajar sobre la comedia.
Otra de las cosas que yo tomé en cuenta a la hora de escribir Joven Amaroq o de dónde surgió mi motivación para escribirla, era el poder traducir algunas situaciones de la comedia de enredos, que a mí me causaban mucha gracia, pero que yo me había dado cuenta cuando las llevaba al laboratorio, y trabajábamos sobre la obra original, era que había algunas cosas que no se llegaban a capturar de esa comicidad. Había algo que se perdía de situaciones muy simples que tal vez se complejizan por una idea que tiene unx de Shakespeare o por una distancia del lenguaje antiguo y también por el hecho de que sea una traducción y no este en verso… hay varias barreras y a mi me interesaba poder trascender esas barreras y encontrar la esencia de la comedia.
Y a partir del laboratorio, y a partir de esta búsqueda y también a partir del trabajo que yo había hecho de acopio, empiezo a adaptar la obra original y hacer una reescritura manteniendo la estructura, pero en una clave contemporánea. Parte del trabajo fue encontrar ese lenguaje contemporáneo, pero que también tiene ciertas formas clásicas. Si bien la obra no está en verso, había algo que a mí me interesaba mantener de la época. Pero bueno, encontrar el lenguaje fue algo que hicimos en la prueba y el error y también en febrero de este año empezamos una residencia en Arthaus, que es donde estrenamos la obra, finalmente lo hicimos en esta primeras aperturas porque el estreno de la obra es el año que viene.
FM: ¿Cómo fue el proceso de trabajo sobre esos materiales?
JT: En principio trabajamos sobre el texto original. Hacíamos escenas de la obra original, pero trabajábamos dispositivos corales; tratábamos de buscar y de desdoblar personajes y que varios varias actores fueran un mismo personaje. Buscamos maneras en las que pudiera funcionar eso. Así ingresó algo que después se profundizó y era la idea del coro, al estilo de los coros griegos, que presenta los temas y funciona entre de enlace las escenas de una manera muy particular. También, después, ingresaron las escenas. Entonces encontramos este dispositivo de estar todos en escena, prácticamente todo el tiempo. Otra cosa que buscamos en el laboratorio fue desarrollar la música en vivo; empezamos a probar sonidos, empezamos a imaginarnos un universo sonoro que tenía que ver con el hielo, con el frío, con el ártico y así llegamos a copas de cristal… una kalimba, una flauta, trabajamos distintos sonidos con bolsas, con pedazos de cartón, y después con micrófonos.
FM: ¿Cuál fue la búsqueda de la obra?
JT: Me interesaba escribir con el foco en que fuera gracioso, en que se entendiera la situación y también en que fuera una obra aristotélica. Por eso, me agarré bastante de la estructura original y trabajé sobre eso porque tenia la intención de contar un cuento. Teniendo en cuenta que no era una comedia que se hubiera leído mucho o que fuera de las más conocidas, a mí me interesaba que eso no fuera un problema, sino una oportunidad para poder verla por primera vez, disfrutarla, y que no importe y que se pudiera entender de qué se trataba y qué era lo que está pasando. También, sirviera de excusa para desarrollar lo que nosotros teníamos ganas de desarrollar tanto en los sonoro como lo actoral. Yo soy muy feliz cuando ingresan cosas del laboratorio, que están vivas desde la actuación, y chistes nuevos y elementos impredecibles que yo desde mi casa sentado escribiendo jamás podría imaginar solo.
Me parece que esa es la conjunción que a mí más me interesa: yo pueda hacer un trabajo en mi casa, en un escritorio, y desarrollar una poética que esté en diálogo con la poética de un grupo que está haciendo su segunda obra. A su vez, que todo lo que uno abona a ese grupo tenga futuro. Es un trabajo que uno hace no solo para la obra sino para el grupo y a largo plazo, esa es la sensación que tenemos, por eso nos da tanta alegría trabajar juntos porque somos amigos antes que nada y eso está está muy bueno y es muy lindo.
El equipo de la obra del Grupo Vapor está compuesto por los intérpretes Joaquín Alvarez de Toledo, Violeta Braguinsky, Rita Castro, Ema Cristiani, Alejo Echeverria Bo, Carmela Rivero, Bautista Sardi, Mora Segade, Juan Tucat. En diseño de vestuario, Juana Aguer, Alejo Echeverria Bo, Mora Segade. En el diseño sonoro Carmela Rivero, Bautista Sardi y Juan Tucat. En el diseño de iluminación Alejandro Le Roux. En asistencia artística Priscila Abitbol. En producción Joaquín Alvarez de Toledo y en dirección de la obra Cristian Drut.
