El Festival Internacional de Buenos Aires es siempre un evento esperado por toda la comunidad teatrera. En esta décima edición, la dirección artística estuvo nuevamente a cargo de Darío Lopérfido que marcó un rumbo claro en la programación internacional apuntando a un teatro multidisciplinario, performático y posmoderno, con video, maquetas, fuegos artificiales y hamburguesas. Pese al gran despliegue de las producciones extranjeras, desde Farsa Mag no logramos conectar del todo con las propuestas para lograr el efecto qué-volada-de-peluca.
“El tiempo pasa y nos vamos poniendo tecnos“, rezaba Sumo con sumo acierto. Así rememoramos desde la redacción esas ediciones anteriores del FIBA en las que el que no sacaba las entradas en la primera semana de venta, perdía. Todo se agotaba rapidísimo y el dilema era elegir qué obras ver en un mar de propuestas tentadoras, muy tentadoras y tentadorísimas. En este X FIBA la programación internacional fue bastante menos atrapante, pero dejó lugar a maravillas nacionales.
Pero no todo es foráneo, y a mucha honra podemos hablar maravillas de las obras nacionales que formaron parte. Hubo un par de imperdibles de la casa como la obra furor de ese año Mi hijo sólo camina un poco más lento (que agotó sus entradas el primer día) y Terrenal, pequeño misterio ácrata de Mauricio Kartun. También se presentaron a sala llenísima algunas piezas que venimos recomendando hace tiempo como Cáctus Orquídea, Vago, Seré tu madre tranquila, MoralAmoralInmoral, La máquina idiota, Las mutaciones, El hambre de los artistas, Todo Piola, Cinthia Interminable y varias más que aún no vimos.
Participamos de charlas, debates y hasta de un encuentro con críticos extranjeros oriundos de Suecia, Japón, Corea, Nigeria y Brasil, que se mostraron muy entusiasmados en el teatro porteño, y que nos brindaron un pantallazo de la crítica teatral por el mundo. Nos volvimos a deleitar con las propuestas de Matías Feldman y sus no-obras de “Proyecto Pruebas“: La Desintegración y El Espectador que nos convirtió en verdaderos voyeurs en una casa de familia, que nos devolvió las miradas; interesante experiencia donde el espectador termina siendo mirado.
En esta edición, el FIBA recibió a Panorama Sur, una plataforma de teatro, danza y performance dirigida por Cynthia Edul y Alejandro Tantanian. Además de su tradicional residencia para autores, sus clases y workshops, este año presentaron una obra creada por un grupo de artistas latinoamericanos: Las noches vencidas. Palimpsesto, co-producida por ambas instituciones.
Ahora sí, y sin dar más vueltas, les compartimos las opiniones de todo lo que vimos:
À FLEUR DE PEAU | Francia
Compañía: Groupe F
Autor y Director: Christophe Berthonneau
El FIBA arrancó a pura luz en Parque Sarmiento de la mano del Groupe F. Fuegos artificiales (en cantidades industriales), pantalla gigante y seres de luz que se mezclaron entre el público. Un show espectacular en la acepción de Patrice Pavis de “buscar efectos fáciles, de enmascarar el texto y la lectura bajo una masa de signos visuales” que dejó a muchos con la ilusión en los ojos pero a otros con la confusión de no haber visto más que un mero despliegue de recursos, como un fin en sí mismo. Dar el puntapié inicial de semejante festival con un show pum para arriba, es de esperarse, pero también se le podría sumar un poco de contenido. Una pieza llena de espejitos de colores un poco vacía de reflexión.
ANTIGONÓN. UN CONTINGENTE ÉPICO | Cuba
Compañía: Teatro El Público
Autor: Rogelio Orizondo y Carlos Díaz
Dirección: Carlos Díaz
Ahí lejos, el mito parece ser el de Antígona. El cadáver insepulto no es en este caso el de Polinices, sino el de la Revolución cubana y su historia oficial, que elije volver a contarse articulando la palabra de Martí en los contextos más disímiles, para aventurar las distintas versiones que podría tener un joven cubano de la Revolución, hoy. Que se debate entre la ley de los hombres y… ¿la de los dioses capitalistas?, sin dejar en claro qué cadáver quiere enterrar quién, ni dónde.
Porque a entender de esta cronista, la propuesta resulta bastante ajena al espectador argentino; más allá de una primera distancia (quizá fruto de una versión romántica de la historia cubana, como sostiene alguno de los intérpretes, o una postura ideológica asumida frente al comunismo) lo que distancia es la ignorancia frente a las referencias, y la repetición de un artificio que se apila en vericuetos cada vez más difíciles de seguir. Esto es salvado, finalmente y por momentos, por el genial histrionismo de los actores, alguna ocurrencia de la dramaturgia, y magníficos vestuarios ornamentales.
BRICKMAN BRANDO BUBBLE BOOM | España
Compañía: Agrupación Señor Serrano
Idea Original: Àlex Serrano y Pau Palacios
Un recorrido por la vida y los hogares de Marlon Brando sirve de excusa para mezclar la historia de un prestamista despiadado, la triste realidad de los desalojos en España y una casa ensamblada en escena que refleja imágenes con guiño cinéfilo. La Agrupación Señor Serrano se las ingenia para narrar una historia a través de maquetas que, filmadas en vivo, le suman a lo performático y lúdico de la puesta.
Lo teatral, viene de la mano de uno de los integrantes de la Compañía, que le dobla la voz y los gestos a Brando en las escenas proyectadas, armando así una nueva historia en referencia a este tal Brickman, inescrupuloso prestamista. Al ritmo del funky y con muchas burbujas, esta Agrupación mecha homenaje, performance y triste realidad crediticia que encuentra un pequeño desahogo en la destrucción final de aquel hogar ensamblado. Una propuesta arriesgada y con una pila de datos por aquí y allá que pueden llegar a marear, pero que se las ingenia para no terminar abrumando gracias al ritmo que le imprimen los cuatro Señores Serrano.
CASTIGO | Chile
Autor: Cristián Plana sobre textos de August Strindberg
Director: Cristián Plana
August Strindberg relata en su novela autobiográfica El hijo de la sierva, los castigos que su padre le imponía. Escrita a fines del XIX, resalta la opresión y la crueldad en la que la cotidianeidad se lleva a cabo en nombre del buen comportamiento y la institución familiar. La puesta en escena intenta llegar a la profundidad del texto, a la oscuridad de lo que allí se cuenta y nos somete a ser espectadores de una violencia que empuja los límites y da nauseas.
La complicidad de la madre (embarazada) estremece, y el niño corre a abrazarse a la falda de su niñera, pero cuando todo parecía ser una escena realista con una perspectiva descentrada, una turbina retumba en la sala del Teatro Regio. Se abre la única ventana y un fuerte viento frío, producto de una tormenta de nieve, atraviesa la casa/sala y logra apagar el fuego del interior. La escena sucede en slow motion, la nieve lo cubre todo. La hermana menor lucha contra la tormenta y busca escapar. La escena se congela. Un plato se quiebra y en ese ínfimo momento, en ese pequeño gesto, Cristián Plana logra capturar la esencia de la vivencia de Strindberg.
GANESH VERSUS THE THIRD REICH | Australia
Compañía: Back to Back Theatre
Coautores: Mark Deans, Marcia Ferguson, Bruce Gladwin, Nicki Holland, Simon Laherty, Sarah Mainwaring, Scott Price, Kate Sulan, Brian Tilley, David Woods
Director: Bruce Gladwin
La compañía Back to Back viene trabajando hace casi tres décadas “cuestionando lo que se supone que es posible en el teatro, y los supuestos que tenemos sobre nosotros mismos y los demás“. En el elenco participan varios actores con capacidades diferentes y crean una pieza metateatral, desde la historia y los sujetos, en un interesante juego de analogías entre la realidad y la ficción.
El nazismo ocupa Europa y Shiva, dios hindú de la destrucción y la transformación, amenaza con destruir todo, pero su esposa Parvati, para impedirlo, envía a su hijo Ganesh a recuperar el símbolo sagrado convertido en la esvática nazi. Ganesh emprende el viaje entre telones que generan imágenes realmente hermosas, creando climas oníricos muy placenteros, para mezclarse con los ensayos donde se cuestionan si no resultará ofensivo para los hindúes que utilicen a su deidad como personaje de la obra. La historia cuestiona la ética y la apropiación cultural en un engranaje de ficción dentro de la ficción, que despierta reflexiones desde los puntos de vista más cándidos.
Con momentos muy logrados y un despliegue escénico bellísimo, el elenco sorprende por su autenticidad y compromiso con la investigación. Una obra que generó opiniones encontradas pero que sin dudas dio de qué hablar.
GÓLGOTA PICNIC | Francia
Compañía: hTh – CDN Montpellier
Autor: Rodrigo García
Director: Rodrigo García
Golgota Picnic es el vómito de Rodrigo García. Con una puesta que rompe desde su inicio -todo el piso del escenario (todo, todo eh) cubierto de panes de hamburguesas- hasta su final que nos engaña en pensar que vamos a escuchar los 9 movimientos de la sinfonía de Haydn sobre las últimas palabras de Cristo. Es una obra anti dramática si tomamos “drama” en el sentido más tradicional del término, porque definitivamente arriba de esas hamburguesas están ocurriendo cosas.
Los actores se envalentonan para ser canales de expresión de lo que es claramente una visión de mundo sobre el autor, anti consumista, anti capitalista, anti comunista, anti secular y hasta un poco anarquista -aunque seguramente esté en contra de eso también-. “Dios es una artimaña lingüística” nos dicen y lo dejan en claro en todo momento. El espectáculo se vale de proyecciones, cámara en vivo, música y pintura para expresar este grito atroz en contra de la humanidad y lo que ha conseguido hacer de sí misma. “Nunca estuve tan mudo como cuando grité con todos ustedes”.
ISABELLA’S ROOM | Bélgica
Compañía: Need Company
Autor: Jan Lauwers
Director: Jan Lauwers
El estreno de Isabella’s Room suponía una gran expectativa para los espectadores porteños porque implicaba el desembarco de la Needcompany en nuestro país, la posibilidad de disfrutar una obra coral en el anfiteatro del Parque Centenario, cual ciudadanos griegos, la integración de bailarines, artistas plásticos, actores y músicos en escena y la chance de oír un texto en francés e inglés.
Isabella es una muchacha que vive con sus padres en un faro. Anna y Arthur son los padres adoptivos, Isabella es hija del príncipe del desierto. Busca a su padre, pero no llega a África sino a una habitación en París repleta de objetos antropológicos. Isabella’s Room guarda un secreto.
Celebramos el teatro plurilinguista, multidiciplinario e innovador. Pero el desestructuralismo y la clausura a la representación también necesitan una forma donde adecuarse y así poder encausarse en un espectáculo teatral. Son las pautas, las marcaciones y la mirada exterior lo que diferencian a una improvisación de una obra de teatro. El conflicto necesita tiempo para desarrollarse, pero una vez alcanzado el climax el desenlace demanda otro tipo de timing. Los actores necesitan lugar para desplazarse, pero no tanto como para que queden espacios vacíos. El artista debe abstraerse cuando está en escena, pero no olvidarse de que está inmerso en una realidad teatral. El teatro debe experimentar, pero no olvidarse de que para eso debe haber una propuesta que lo subyazca.
KADDISH | Francia
Compañía: Centre DramatiqueNationalOrléans/Loiret/Centre
Autor: Allen Ginsberg (fragmentos de Kaddish y Journal 1952-1962)
Director: Arthur Nauzyciel
Kaddish es una producción de una compañía francesa que pone en escena los poemas de Allen Ginsberg, (poeta referente de la Generación Beat, años ’50, Nueva York). La cita fue en la Alianza Francesa y una muchedumbre de estudiantes y señoras se acercaron para disfrutar de una obra de teatro en un bello y nativo francés.
El texto es el gran protagonista de la escena; la traducción se da en pantalla gigante. Un actor relegado a un costado, sentado en un escritorio durante toda la función, le presta la voz, y las historias de Ginsberg comienzan a suceder. La innovación semántica de la poesía permite dar a conocer lo que de otro modo sería imposible, le da fuerza. ¿Cómo hablar de lo indecible, cómo hablar de lo intolerante? El texto relata la relación del autor con su madre (intelectual rusa, judía y comunista exiliada que termina sufriendo trastornos psíquicos) en un viaje que va de lo universal abstracto, a lo particular concreto. Una imagen traducida en palabras, una fuerza que emerge y atraviesa. Una puesta en donde el poema se hace cuerpo, y en la que hubiese estado buenísimo saber francés para disfrutar con ojos cerrados.
LA CAUTIVA | Perú
Compañía: Teatro La Plaza
Autor: Luis Alberto León
Director: Chela de Ferrari
Con una puesta extra realista, comienza esta obra. En la morgue de un pueblo peruano en guerra con los militares -Ayacucho en 1984-, un chico aprende a limpiar y listar a los muertos. El doctor le da cátedra de cómo ser hombre. Lee el diario y obedece las órdenes del capitán, que ha de llegar a cobrar su privilegio de jefe. El botín de guerra es una niña que no terminó la escuela, y que no está dispuesta a morir. Así que sin mediaciones se levanta y habla, dice estar en su casa y protesta por la falta de atención.
Aquí se produce una encantadora ruptura, que sigue yendo en función del realismo, pero que sin dudas se abre a una nueva dimensión escénica y sobrenatural. El técnico auxiliar tiene que prepararla, pero no puede porque el horror que se avecina es inevitable. Si está alucinando o no, deja de importar, el chico le festeja el quinceañero, para salvar a esta niña aunque sea en su propia imaginación.
LAS IDEAS | Argentina
Autor: Federico León
Dirección: Federico León
Una mesa de ping-pong y unos cuantos elementos desordenados junto a una computadora, son el escenario donde dos personajes conversan, crean y reflexionan acerca de la representación. Las ideas van y vienen sembrando cuestionamientos y dudas sobre qué significan ficción y realidad. León y Tello nos hacen partícipes de un proceso creativo, interpelan con sus diálogos y abren un abanico de posibilidades para pensar la teatralidad. Nosotros como espectadores, abrimos nuevos interrogantes y entramos en ese juego de cajas chinas donde todo puede estar contenido por algo más. ¿Hasta qué limite se puede seguir representando lo representado?
MACBETH | Sudáfrica
Compañía: Third World Bunfight
Autores: Giuseppe Verdi, Brett Bailey, Fabrizio Cassol
Director: Brett Bailey
Macbeth es una obra de teatro de William Shakespeare pero también es una ópera de Giuseppe Verdi. La compañía Third World Bunfight se propuso reponerla al encontrar restos de una puesta de los años 40 de la que no había registro alguno más que vestuario raído y algunos elementos de utilería. En el imponente escenario del Teatro Colón se construyó un espacio escénico simple, con pocos recursos. Detrás, una gran pantalla sirvió para proyectar imágenes simbólicas alusivas a la situación o fotos del hambre y la guerra que azota al Congo.
Es interesante ver el FIBA en el Colón y la puesta de Macbeth le sienta bien a esta combinación ya que es una ópera con ciertas claves de posmodernidad. Lady Macbeth recibe la noticia de las brujas por mensaje de texto, Macbeth se la pasa en musculosa o con animal print. Hay momentos logrados, pero casi todo se queda a mitad de camino, se abren muchos rumbos que no terminan de completarse. Hay un poco de posmodernidad, un poco de teatro, un poco de audiovisual y un poco de contexto social pero ningún elemento de la puesta llega a conmover, más allá de las voces y la música que son realmente espectaculares. Una ópera diferente y contemporánea pero con una puesta en escena un tanto estática, que se queda con pocas ideas.
OPENING NIGHT | Holanda
Compañía: Toneelgroep Amsterdam
Autor: John Cassavetes
Director: Ivo van Hove
La noche de estreno se acerca y la gran actriz principal está trabada en una tragedia interior que no la deja llegar al fondo de su personaje. Su recorrido e intrigas con los compañeros de elenco, explotan en medio de una propuesta escénica que mete deliberadamente al cine en el teatro; procedimiento inverso al de la pieza cinematográfica homónima de Cassavetes. El juego se da en la evidencia del dispositivo de representación.
Con un equipo de técnicos y camarógrafos que trabaja en vivo, las escenas se reproducen en cinco pantallas simultáneamente. Esto permite mostrar situaciones que suceden paralelamente detrás de los bastidores y desde los distintos ángulos. Además, un sector del público está puesto literalmente en escena, sobre las tablas, al ladito de los actores, que se desplazan por allí como si fuera el teatro de su ficción; al mismo tiempo, el público se ve filmado instantáneamente. Este clima tridimensional, es a la vez potenciado por la historia, que incluye el fantasma de una joven fanática como único aliado de la protagonista, que le permite juntar fuerzas a una mujer que no quiere aceptar el paso del tiempo.
THE BLIND POET | Bélgica
Compañía: Needcompany
Autor: Jan Lauwers
Director: Jan Lauwers
El ritual del teatro en carne viva: el proceso de civilización de miles de años es contado en una síntesis artística que va desde la prehistoria hasta la modernidad; una poética salvaje que explota en canciones, luces, objetos gigantescos, clown, danza y rock.
Desde anécdotas de la infancia hasta enfermedades terminales, actores de distintas partes del planeta confeccionan un espectáculo que quiere hablar de lo común en la diversidad: el amor. Juegan con el límite de la ingenuidad del espectador, rompiendo el hechizo mientras lo recrean y lo transforman, en una imagen superadora.
Una obra que generó gran polémica, como todo lo que es provocador y se aleja del perímetro de lo aceptado y convenido. Lo cierto es que The Blind Poet es un despliegue de pirotecnia teatral que muy lejos de enceguecer la visión del espectador, lo renueva y vigoriza, rompiendo prejuicios arcaicos basados en tradiciones que ya no dan respuestas a las genuinas problemáticas de la actualidad.
TODO LO QUE ESTÁ A MI LADO | Argentina
Autor: Fernando Rubio
Director: Fernando Rubio
En medio de toda la parafarnalia festivalera, apareció esta experiencia teatral íntima y sumamente conmovedora. En la Plaza del Vaticano del Teatro Colón, una actriz te recibe en una cama blanca y mullida para contarte la historia de tu vida. Sin siquiera conocerte, cada actriz te habla al oído de la esencia de vos mismo, y de repente sentís como si te conociera de toda la vida.
En una propuesta diferente, Fernando Rubio logra crear una pieza artística que te lleva de viaje a lo más tierno de tu interior a través de varias actrices que emocionan desde una sutileza extrema. Fuimos varios los que nos levantamos de ese sueño de 15 minutos, escurriéndonos los ojos y volviendo a pisar la realidad luego de una vivencia verdaderamente onírica. Despertar.
Por Florencia Aroldi, Marina Ceppi, Milena Foster, Eugenia Kollman, María Agustina Pardini, Carla Tomasini, Antonela Scattolini Rossi y Julieta Zeta